The raw material for my sculptures is steel and stainless steel.
I cut sheet metal – from 0,4 to 0,6 inches thick - into bars using freehand plasma cutting.
As semi-finished products, these bars have two industrial, plain surfaces, at a distance of 0,4, 0,5 or 0,6 inches and two contours, cut out freehand and spaced out like my highly variable and irregular handwriting. Thus the raw material itself embodies the dialogue between the serial and the individual, which is the conceptual basis of all my artistic work.
I select four bars of steel or stainless steel and compose these as a frame-like object. They are cut then and – depending on the size – welded, clamped or screwed together.
The size of the frames varies from 8 x 8 to 200 x 200 inches – some are even bigger.
The final form consists of two or three of these frames joined together under strain and fixed by using simple notches or clamp devices.
Each operation is easy to comprehend and constitutes an aesthetic aspect of my work.
Each sculpture can be taken apart and stored flat. Smaller ones can be transported in a car as frames while larger ones can be completely decomposed and transported as individual bars.
Since the volumes of my sculptures are only sketched out by their structure and contours, the expenditure on material and – by consequence their weight - remain minimal. These characteristics not only facilitate their handling, but constitute an essential aspect of my work, insofar as they allow me to install them in extreme and rather inaccessible places - on granite rocks at the seaside, suspended between trees or above the water, on hardly accessible roof terraces or in multi-storey buildings. Depending on their sizes, you can travel with them by airplane or by car, on a photo trip, or on a mountain walk (“travel sculpture”).
Ernst Günter Herrmann
Early in his life Ernst Günter Herrmann discovered sculpture for himself– an art form where everything is based on dimension and space. The first stage of this discovery was his encounter with Egyptian sculpture and architecture.
In addition his ancestors had left some traces on his character, like his discovering spirit and his almost rebellious and limiteless curiosity.
They were Waldensians and Hugenots, and his great-grandfather who lived in Piedmont (North of Italy) and traveled as an itinerant preacher through the whole of Germany, was kept vividly in the memory of his family.
Ernst Günter Herrmann was drawn to discover the world – first he went to Berlin, then to London, later to the University of California at Berkeley - and finally to Southern France (Provence) and back to Germany.
As an architect – his first profession – he built Hippie-houses in California and studied the theory and method of urbanism at Berkeley. At the same time, he was attracted by the endless and vast nature of American deserts and coastlines. Back in Europe, he turned to sculpture and realized numerous extensive projects for public environments, based on the synthesis of sculpture, urban space and landscape.
The art works here are quite the contrary, they can be seen as the inversion of large projects. The artist is interested in the fragility of matter – not unlike the vulnerability of emotions. These works are “nearly sculptures”: You feel their presence, but they do not impose themselves with a heroic gesture. They occupy space, but paradoxically, they are unpretentious and elegant.
His work is based on a spiritual approach – not in a religious, but in a cosmic sense. Very consciously, he integrates his sculptures into the landscape, so that they become part of it. Often, there is a dialogue between them and their natural environment, whose presence is not incidental.
It is unspoiled nature, neither town nor garden, but horizon, clouds, ocean, forest… The places chosen by the artist to install his works are so to speak “inhabited”: The big, vulnerable structures settle down in these places as angels would do…and thus transmit us their qualities.
You can look at them with the eyes of a discoverer who perceives the reflections of light, their swaying in the wind, the contours of their shadows or the vibrations of the structuring lines – all these are elements that constitute the artist’s work.
The materials that the artist chooses for his sculptures (stainless steel, bamboo, thin wood sticks) are simply screwed or mortised together, so that they can be taken apart, transported and stored easily and with minimum space requirement
In the eyes of the public, these sculptures represent volumes whereas the artist only suggests their contours. The mind of the visitor unconsciously associates the rest, carried along by the indissoluble link between emptiness and plenitude, such as it can be found in Chinese calligraphy which is at the same time graphic and spiritual.
Catherine Bret-Brownstone
Ernst Günter Herrmann's works are almost alive, quiveringly real skeletons for the flesh of sculpture. They are not hollowed-out masses, but modest allusions, hesitant displays of panache, minuscule thresholds, fleshless silhouettes, fragile inevitabilities. They are threads woven through the soul.
"I am not a young man: what I am trying to do is strip back the mass of things", as if matter gradually yielded to mind. "In my social period, I used to work with blocks in urban spaces, but now I concentrate my work and strip it back. My creations are reductions rather than abstractions. You have to understand that there's nothing to understand". In other words, let the unconscious, subterranean perceptions wash over you, easing your grip and letting yourself be swept away by the ethereal creations.
The urban space is saturated with images of all sorts, burdensome in the multiplicity of their intentions. Art creates psychic balance by providing a counterweight to the excess of ideas and images. The sumptuous blocks Ernst Günter Herrmann once produced, born of semi-industrial forms, have become passages of sky, living windows, eerie mental walkways. The viewer's intellect takes a step back: "you can't really tell how they remain upright". Creative uncertainty reigns supreme, with the end of norms and intentions as its consort. The artist is a fabulous creator of spatial enigmas. He attacks both solidity of form and barriers to the gaze, breathing rejuvenating oxygen into established meaning. He creates a space beyond meaning, and greater respect for spatiality.
The artist's current structures need plenty of space to give free rein to the power of their absences and the infinity of their precarity. Ernst Günter Herrmann plays a meditative score in three dimensions, where false doors like those of ancient Egypt offer potential windows onto other volumes and other spaces. The human landscape enters into dialogue with the character of the scenery. The sculptor is a magician, his tricks art effects and visual impact: one sweeping gaze reveals the twofold space of nature merged with culture – and traces of eternity.
The work never hinders the eye's passage; it opens up to the landscape completely. It does not gain the upper hand. It does not reveal itself all at once, or all together. It can even take on the fleeting appearance of life and movement. It can show itself differently in the light, while inventing new lights in the close embrace of trace and plenitude.
His sculptures have no connection with outerness or innerness. They are a space in space, or rather signs of space. Sculpture is at once perfect and imperfect. It creates living instability, far removed from the inertia of dead things. It guides those who look upon it, while lending a lease of life to something unstable that modifies the desired sense of "perfection". It magnetically attracts the gaze, transforming space and breathing life into it, as if the work were a talisman of elementary forms. The space of a sculpture is not neutral space. In it resides humanity.
Metal – a positive product of modernity – breathes subtle life into light, like a discreet mirror, and the play of moving light plays into the creation of the sculpture. Our physical relationship with a sculpture of stone and wood is beautiful and archaic, reassuring and capital. None of that exists with metal. A rod of metal indicates and delineates a space, giving it direction. We are less drawn to touch it. Metal is totally at the service of space, placing us firmly in the domain of the mind. The sculpture's open, sensitive structure allows for a human understanding of space. It lets us become aware of it, making space inhabited and visible. Space is the material of space.
The palpably clear evolution of Ernst Günter Herrmann's sculptures has always given more space to space... He creates sublime sweeps of scope in spaces that are always large. Where humanity resides. And his sculpture dazzles space.
Christian Noorbergen
Translated by Susan Pickford
La matière brute de mes sculptures est l’acier ou l’inox.
Je fabrique des tiges à partir de tôles de 10 à 15 mm d’épaisseur, par découpage au plasma à main levée.
En tant que produit semi-fini, ces tiges possèdent deux surfaces industrielles, planes, distantes de 10, 12 ou 15 mm, ainsi que deux contours découpés à main levée, irréguliers et très variables. Ainsi la matière brute contient déjà le dialogue entre le sériel et l’individuel qui représente la base de toute mon œuvre artistique.
Je choisis quatre tiges pour en composer un cadre. Ensuite, elles sont coupées et - selon leur taille - soudées, serrées ou vissées ensemble.
La taille des cadres varie entre 20 x 20 cm et 500 x 500 cm, voire au-delà.
Dans la forme finale, deux ou trois cadres sont emboîtés l’un dans l’autre sous tension et maintenus par de simples encoches ou par dispositifs de serrage.
Chaque opération est facile à appréhender et constitue un élément esthétique de mon travail.
Chaque sculpture peut être démontée pour la stocker à plat. Les petites sculptures peuvent être transportées dans une voiture sous forme de cadres, les plus grandes peuvent être décomposées totalement et transportées sous forme de tiges individuelles.
Comme les volumes de mes œuvres sont uniquement esquissés à l’aide de leurs contours, le matériel qu’elles nécessitent - et par conséquent leur poids - sont négligeables. Ces caractéristiques facilitent non seulement leur maniement mais constituent un aspect essentiel de mon travail, dans la mesure où on peut les installer dans des endroits difficiles d’accès - sur des rochers de granit en bord de mer, suspendues entre des arbres et au-dessus de l’eau, sur des terrasses de toit difficilement accessibles ou bien en appartement dans un immeuble de plusieurs étages. Et finalement, ces sculptures peuvent - selon leur taille - voyager avec nous en avion, ou bien en voiture, lors d’un safari photo, ou encore pendant une randonnée en montagne (sculpture mobile).
Ernst Günter Herrmann
Ernst Günter Herrmann découvrit tôt la sculpture, une forme d’art dans laquelle tout est question de dimension et par laquelle on doit conquérir l’espace. Les premières étapes étaient la rencontre avec la sculpture égyptienne et l’architecture.
On pourrait ajouter que ses ancêtres ont laissé quelques traces en lui. Par exemple, son esprit de découverte ou sa curiosité rebelle titillant les limites. Ses aïeux étaient vaudois et huguenots. Son arrière-grand-père, originaire du Piémont, était un prédicateur itinérant à travers toute l’Allemagne. La famille entretient vivement son souvenir.
Ernst Günter Herrmann parcourt ensuite le monde, d’abord à Berlin, puis à Londres, et à l’Université de Californie, qui à cette époque était ouverte au monde entier, et enfin en Provence avant le retour en Allemagne.
En tant qu’architecte - son premier travail, il a construit des maisons de hippies en Californie et a étudié, à Berkeley, les bases théoriques et méthodiques de l’urbanisme, tout en parcourant la nature infinie des déserts américains et ses paysages côtiers. De retour en Europe, il se dirigea vers la sculpture. Il réalisa de nombreux grands projets, dans lesquels l’espace public est vu en tant que processus intégrateur de la sculpture, de l’espace urbain et du paysage.
Les œuvres que l’on peut découvrir ici sont plutôt le contraire et peuvent être perçues en tant qu’inversion de grands projets. L’artiste s’intéresse à la fragilité de la matière aussi bien qu’à la sensibilité des émotions. Ce sont des « quasi-sculptures » ; on ressent leur présence, mais elles ne s’imposent pas par une allure héroïque. Les sculptures emplissent l’espace, mais sont paradoxalement discrètes et élégantes.
Une approche spirituelle fonde son œuvre, non pas religieuse mais dans le sens cosmique. Très conscient, il intègre ses sculptures dans le paysage pour qu’elles en deviennent une partie propre. La nature, qui conduit souvent un tête-à-tête avec les sculptures, ne révèle jamais sa présence par hasard. C’est une nature vierge, ni ville ni jardin, mais faite d’horizon, de nuages, d’océans et de forêts. Les lieux qu’il choisit pour y installer ses œuvres en sont habités. Les grandes et fragiles structures prennent place comme le feraient des anges… et nous transmettent ainsi leurs qualités.
Au premier coup d’œil on pourrait considérer ces sculptures comme géométriques ou constructivistes mais, au-delà, il faudrait les observer avec le regard d’un explorateur qui voit les reflets des images de la lumière, leurs oscillations dans le vent, les contours de leurs ombres portées ou les vibrations de leurs lignes structurantes, autant d’éléments qui construisent l’œuvre de l’artiste.
Les matériaux des sculptures (inox, bambou, bois fin) sont simplement vissés ou tiennent par de simples encoches de sorte qu’elles soient aisément démontables et prennent peu de place pour le transport et le stockage.
Les formes font naître chez l’observateur la perception des volumes là où l’artiste ne suggère que contours. L’esprit de l’observateur fait le reste et sera enthousiasmé par l’insoluble liaison du vide et du plein, que l’on retrouve dans la calligraphie chinoise, qui est à la fois graphique et spirituelle.
Catherine Bret-Brownstone
Quasi vivantes, voire frémissantes, les sculptures d’Ernst Günter Herrmann sont des trames de sculptures. Non pas des masses évidées, mais des allusions retenues, des élans incertains, d’infimes seuils, des silhouettes sans chair, et des évidences fragiles. Des fils conducteurs d’âme.
“Je ne suis plus un jeune homme, je cherche à réduire la masse des choses“, comme si la matière s’effaçait lentement devant l’esprit. “Dans ma période sociale, je travaillais avec des blocs avec l’espace urbain, maintenant je concentre et je réduis. Mes créations sont plus des réductions que des abstractions. Il faut comprendre qu’il n’y a rien à comprendre“. Autrement dit, se laisser envahir par les perceptions inconscientes et souterraines, et lâcher prise, se laisser emporter par ces aériennes propositions.
L’espace urbain est saturé d’images de toute sorte, et de lourdes et multiples intentions. L ‘art crée de l’équilibre psychique en faisant remède aux excès d’idées et d’images. Chez Ernst Günter Herrmann, les somptueux blocs d’hier, nés de formes semi-industrielles, sont devenus des passages de ciel, des fenêtres vives, et d’étranges passerelles mentales. L’intellect s’efface, “on ne sait pas bien comment ça tient“. C’est le règne de l’incertitude créatrice, et la fin des normes et des intentions. L’artiste est un fabuleux créateur d’énigmes spatiales. Il s’attaque à la dureté formelle comme aux barrages du regard. Il oxygène et défatigue le sens établi. Il crée du hors-sens. Et un respect plus grand de l’étendue.
Les structures actuelles de l’artiste ont besoin de beaucoup d’espace pour donner liberté à la puissance de leurs manques, et à l’infini de leur précarité. Ernst Günter Herrmann joue dans l’étendue une partition méditative où des portes simulacres, comme dans l’ancienne Egypte, sont de possibles fenêtres vers d’autres volumes, et vers d’autres espaces. Le paysage humain dialogue en regard avec le naturel du paysage. Le sculpteur est un magicien de l’effet d’art et de l’impact visuel : en un seul regard, on voit le double espace fusionné de la nature et de la culture. On voit des traces d’éternité.
L’œuvre n’arrête jamais l’œil, elle s’ouvre entièrement au paysage. Elle ne prend pas le dessus. Elle n’apparaît pas d’un coup, ni complètement. Elle peut même légèrement s’animer et bouger. Se laisser voir autrement sous la lumière, et inventer d’autres lumières… La trace et la plénitude s’étreignent.
Ses sculptures ne sont pas liées à ce qui est dehors ou dedans. Elles sont espace dans l’espace, ou plutôt signes d’espace. La sculpture est à la fois parfaite et imparfaite. Elle crée de l’instabilité vivante, loin de l’inertie des choses mortes. Elle guide ceux qui regardent tout en laissant vivre quelque chose d’instable qui modifie la « perfection » souhaitée. Elle aimante le regard et l’espace est transformé. Animé comme par un talisman de formes élémentaires. L’espace d’une sculpture est autre que l’espace neutre. Il est demeure d’humanité.
Le métal, produit positif de la modernité, fait vivre subtilement la lumière, comme un miroir discret, et la lumière mouvante crée partiellement la sculpture. Le rapport physique avec une sculpture en pierre et en bois est archaïque et beau, rassurant et capital. Il n’y a pas cela avec le métal. Une tige de métal signale et cerne un espace, elle donne une direction. On a moins envie de la toucher. Avec le métal, totalement au service de l’espace, on est davantage dans le mental. La structure ouverte et sensible de la sculpture permet d’appréhender humainement l’espace. Elle en permet la prise de conscience, et l’espace devient habité et visible. L’espace est la matière de l’espace.
Dans l’évidente évolution de ses sculptures, Ernst Günter Herrmann a toujours donné plus d’espace à l’espace… Il crée de sublimes envergures. A coups d’espace toujours grand. Ses demeures d‘humanité. Et la sculpture éblouit l’espace.
Christian Noorbergen
Das Rohmaterial meiner Skulpturen ist Stahl oder Edelstahl.
Stahlplatten von 10 bis 15 mm werden freihand mit Plasma zu Stangen geschnitten.
Diese Stangen haben als Halbfertigprodukt zwei industrielle, plane Flächen in 10 bzw 12 oder 15 mm Abstand, sowie zwei freihandgeschnittene Kontouren im stark variierenden und unregelmäßigen Abstand meiner Handschrift. Das Rohmaterial verkörpert somit schon den Dialog vom Seriellen und Individuellen, welcher als konzeptuelle Basis meiner gesamten künstlerischen Arbeit zu Grunde liegt.
Jeweils vier Stangen werden von mir zu Rahmen ausgelegt, abgelängt und je nach Größe verschweißt, geklemmt oder verschraubt . Die Größe der Rahmen variiert von 20 x 20 cm bis 500 x 500 cm oder größer.
In der Gesamtform sind einzelne Rahmen unter Spannung ineinandergesteckt und mittels einfacher Kerben oder Klemmvorrichtungen arretiert. Sie können leicht auseinander genommen um flach gelagert und als Rahmen oder Einzelstangen im Pkw transportiert zu werden.
Jeder Arbeitsgang ist nachvollziehbar und konstituiert einen Teil der Aesthetik meiner Arbeit.
Da die Volumen meiner Arbeiten nur in ihrer Kontur angedeutet werden, ist der Materialaufwand und folglich das Gewicht der Skulpturen im Vergleich zu ihrer Dimension minimal. Letzteres erleichtert nicht nur ihr Handling, sondern ist ein wesentlicher Aspekt meiner Arbeit und ermöglicht ihre Präsenz an extremen und unzugänglichen Orte.
Auf Granitfelsen am Meeresufer, schwebend zwischen Bäumen und über dem Wasser, auf schwer zugänglichen Dachterrassen oder Räumen in Geschoßbauten. Je nach Größe als Wegbegleiter im Fluggepäck oder auf Fotoreisen im Auto oder bei Wanderungen im Gebirge (Reiseskulptur).
Ernst Günter Herrmann
Früh entdeckte Ernst Günter Herrmann die Skulptur für sich- eine Kunstform, bei der alles auf Dimension angelegt ist, bei der man den Raum erobern muss-. Erste Etappen waren die Begegnung mit ägyptischer Skulptur und Architektur.
Man könnte hinzufügen, dass seine Vorfahren einige Spuren bei ihm hinterlassen haben – etwa seinen Entdeckergeist oder seine (rebellische) an die Grenzen gehende Neugier. Seine Ahnen waren Valdenser und Hugenotten. Der aus dem Piedmont stammende Urgroßvater war als Wanderprediger in ganz Deutschland unterwegs gewesen. In der Familie wurde sein Gedenken sehr wach gehalten.
Ernst Günter Herrmann zog es in die Welt– zunächst nach Berlin, dann nach London und in die damals weltoffene Universität von Kalifornien in Berkeley, und danach in die Provence und wieder nach Deutschland.
Als Architekt – sein erster Beruf – konstruierte er in Kalifornien Hippie-Häuser und studierte in Berkeley theoretische und methodische Grundlagen des Urbanismus, während es ihn gleichzeitig in die endlose Natur der amerikanischen Wüsten und Küstenlandschaften zog. Zurück in Europa wandte er sich der Skulptur zu. Er realisiert zahlreiche Grossprojekte mit dem öffentlichen Raum als integrativen Prozess von Skulptur, Stadtraum und Landschaft.
Die Arbeiten, die man hier entdecken kann, sind eher das Gegenteil, sie können als die Inversiom großer Projekte gesehen werden. Der Künstler interessiert sich für die Zerbrechlichkeit, von Materie ähnlich wie die Verletzlichkeit von Emotionen. Es sind „Beinahe-Skulpturen“: man ahnt ihre Präsenz, aber sie drängen sich nicht mit einer heroischen Geste auf. Sie sind erfüllen den Raum, sind aber paradoxerweise unaufdringlich und elegant.
Seinem Werk liegt ein spiritueller Ansatz zu Grunde – nicht im religiösen, sondern im kosmischen Sinn. Sehr bewuß integriert er seine Skulpturen in die Landschaft, so daß sie ein Teil der selben werden. Die Natur, die mit den Skulpturen oft ein Zwiegespräch führt, ist nie nur rein zufällig anwesend. Es ist eine vom Menschen unberührte Natur, weder Stadt noch Garten, sondern Horizont, Wolken, Ozean, Wald. Und die Orte, die er auswählt, um seine Werke zu installieren, werden „bewohnt“: Die großen zerbrechlichen Strukturen lassen sich dort nieder wie es Engel tun würden… und vermitteln uns so deren Qualitäten.
Auf den ersten Blick könnte man diese Skulpturen als geometrisch oder konstruktivistisch betrachten darüber hinaus darf man sie eher mit dem Blick des Entdeckers betrachten, der die Widerspiegelung des Lichts sieht, ihr Schwanken im Wind, die Konturen ihrer Schlagschatten oder das Vibrieren der strukturgebenden Linien – alle dies sine Elemente, die das Werk des Künstlers konstituieren.
Die ausgewählten Werkstoffe seiner Skulpturen (Edelstahl, Bambus, dünne Hölzer) werden einfach verschraubt oder miteinander verzapft, um wenn nötig leicht auseinder genommen und platzsparend transportiert und gelagert werden zu können.
Die Formen erzeugen beim Betrachter die Wahrnehmung von Volumen – der Künstler suggeriert jedoch nur deren Umrisse. Der Geist des Betrachters tut unbewußt das Übrige und wird mitgerissen durch die unauflösliche Verbindung von Leere und Fülle, wie man sie in der chinesischen Kalligrafie findet, die grafisch und spirituell zugleich ist.
Catherine Bret-Brownstone
| 1961 – 68 |
Studies of architecture and urbanism at the Academy of Fine Arts, Berlin,
University of Stuttgart, AA-School, London.
|
| 1968 – 69 |
Teaching urbanism at the University of Stuttgart, |
| 1969 – 74 |
University of California, Berkeley, College of Environmental Design.
|
| 1974 – 78 |
Provence, France,
|
| 1979 – ‘10 |
Stuttgart, Germany
|
| 2010 – ‘12 |
Stuttgart, Germany
|
| 2012 – |
Provence, France
|